La imagen muestra a los cuatro integrantes de The Who –Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon– abrochándose los pantalones. A sus espaldas, un monolito en el medio de la nada recién orinado. Fue una foto polémica, o, más que polémica, transgresora. Sin mostrar otra cosa que unos pequeños charcos sobre una pieza de hormigón connota una delicada falta de respeto. Una señal de los tiempos que corrían.

Mediados de 1971. Los músicos y el fotógrafo Ethan A. Russell regresaban en auto a Londres después de una pequeña gira. Los temas de Who´s Next ya estaban listos, sólo quedaba definir el arte de tapa. Ninguno tenía ideas demasiado geniales, sólo tenían en claro que querían desprenderse de la estética que habían arriesgado en Tommy (1969), su exitoso disco anterior. El viaje sucedía en silencio. Townshend fue el primero en hablar.

– ¿Y? ¿Alguna propuesta?
– Podemos usar esas formas, algo se nos va a ocurrir– dijo Russell, que había estado prestando atención a los monolitos que se extendían a lo largo de un basural.

Frenaron el auto. Russell cargó la cámara. Deliberaron qué hacer. Inmediatamente surgió la idea de orinar. Todos aceptaron, incluso Moon, que quería aparecer con ropa interior de mujer, una peluca marrón y un látigo de cuero en la mano. Esa última idea fue desechada. Moon siempre fue un especialista en llamar la atención, sus ideas eran desfachatadas, incluso peligrosas. Dos años antes, por ejemplo, había cargado con pólvora el bombo de su batería, sin que nadie lo sepa, para el final del show televisivo de los Smothers Brothers. No le tembló el pulso para lanzar el fósforo. Bette Davis –corista invitada– se desmayó; a Townshend se le prendió fuego el pelo y al propio Moon le generó un principio de sordera permanente.

Dicho y hecho, los Who bajaron del auto y se dispusieron a orinar, pero fue imposible. Estaban inhibidos. Russell quiso ayudar haciendo ruido de lluvia con la boca para contagiarles la sensación de orinar. Tampoco. Volvieron al auto, agarraron unas botellas de agua que llevaban en el asiento de atrás y mojaron cuidadosamente el hormigón. Ubicaron los charcos a la distancia necesaria. Después posaron. Se hicieron unas quince tomas, sólo dos fueron publicadas, la original y la que utilizaron para el disco The Collector’s Who’s Next (1996) donde aparecen los cuatro abrazando el monolito, todavía seco.

Russell utilizó una cámara Nikon para hacer la toma. El encuadre fue pensado para que se entendiera el rol que juega cada uno de los músicos sin perder el paisaje del basural de fondo. Fue todo espontáneo, desde la composición hasta la ropa que usaron. La sesión duró menos de una hora. Esperaron al atardecer para aprovechar la luz más blanda del día, nada de sombras ni colores encendidos. Querían que la imagen esté a contramano del concepto que habían trabajado en el disco: canciones de rock elaboradas, con un notable trabajo de producción y experimentación instrumental. Por eso la idea encajó desde el primer momento. Ellos cuatro orinando. Simple y contundente.

En Argentina, la dictadura militar de 1976 censuró la fotografía de Who´s Next. En España, Franco también hizo lo suyo. Las replicadoras –en los dos países– tuvieron que retocar la imagen para suavizar los lamparones, y en algunos casos tapar la base del monolito con unos violentos rectángulos negros.

Ethan Russell trabajó también con The Beatles y The Rolling Stones, entre muchas otras bandas y solistas. Durante fines de la década de 1970 exploró el formato del videoclip, incluso antes de la aparición del canal MTV. En 1990 se especializó en la relación interactiva entre música, imagen y medios de comunicación, con especial atención en el diseño de interfaces. Actualmente gira por el mundo con distintas muestras y se hace tiempo para hacer nuevas fotografías.

En 2003, una encuesta realizada a nivel mundial por el canal VH1 ubicó a la tapa de Who´s next entre las cinco mejores de la historia del rock.

La polémica fotografía de Bob Marley fumando un canuto de marihuana fue en realidad un plan b. La tapa original de Catch A Fire (1973) –actualmente convertida en un carísimo objeto de colección– tenía la forma de un encendedor estilo Zippo: la caja se abría con una bisagra sobre el borde izquierdo y tenía una llama que protegía el vinilo. El problema fue que los costos de fabricación eran demasiado altos, especialmente porque el ensamblaje debía hacerse a mano. Se editaron unos veinte mil con ese formato, creado por los diseñadores Rod Dyer y Bob Weiner; poco tiempo después, para abaratar costos, se optó por la imagen del porro.

La autora de la portada fue la fotógrafa Esther Anderson, una muy bonita mujer que cada tanto vivía aventuras amorosas con Marley. Se dice que era la única que constantemente lo regañaba por tener tantos hijos. Era de origen mestizo, muy inteligente y de gran talento detrás de la cámara. Ella acompañó a Bob y a The Wailers durante las giras entre 1972 y 1974. No sólo se encargó de hacer ese primer plano con semejante cohete en la boca, también hizo un seguimiento de las presentaciones en vivo y las fotos para los pasaportes de todos los músicos, encuadres cortos en blanco y negro que integraron una serie que también pasó a la historia por su sencillez y contundencia. La serie fue incluida en el arte del disco Burnin’, donde curiosamente no figura el nombre de ningún músico, sólo las imágenes.

Anderson era actriz. Desde muy joven cautivó a los hombres con su belleza, con apenas 15 años, en 1960, fue nombrada Miss Jamaica. Su temperamento y sus convicciones eran fuertes, al punto que generaba un cortocircuito con los deseos de Marley. Él no toleraba que no quisiera tener hijos. Y menos que menos toleraba su fama como mujer bonita.

[Esther Anderson es la que está sentada a la derecha]

La imagen de Catch A Fire fue tomada cerca de las diez de la mañana un día de sol pleno. Ella le pidió que se sacara la camisa, le gustaba el color oscuro de su piel, además, la ropa le generaba un reflejo incómodo para lograr la toma que estaba buscando. Utilizó una película Kodak Ektachrome para aportarle una textura dorada. Más tarde, esa misma película se convertiría en un sello característico de las fotografías de Anderson y de la iconografía reggae, con sus colores saturados y marcadamente vivos.

Hay un buen puñado de anécdotas que ilustran la relación que mantuvieron. Por ejemplo, en un viaje que hicieron a Negril a fines de 1973, la policía los detuvo para hacer una requisa. Buscaban estupefacientes o armas de contrabando. Esther y Bob iban en auto, obviamente llevaban una abundante cantidad de hierba. Pensaban quedarse unas semanas en una casa que Marley había comprado en ese pequeño pueblo de Jamaica. No les quedó opción, tuvieron que bajarse y dejar que la policía llevara adelante la inspección. Para sorpresa de Marley, no les encontró nada, les pidió la documentación por rutina –estaba todo en orden– y les permitió continuar. Esther, muy despierta ella, vio el operativo trescientos metros antes. La marihuana inmediatamente salió disparada por la ventanilla. No se supo si después volvieron a buscarla, pero sí que esquivaron un problema muy serio con la ley. En aquella época eran comunes los acribillamientos por ese tipo de infracciones. La milicia no mediaban demasiadas palabras, y menos a mitad de camino en una ruta inhóspita. De esa experiencia surgió el primer corte del disco Natty Dread, una canción titulada en primera instancia Roadblock [Carretera cortada], más tarde rebautizada como Rebel music.

Gran parte de las imágenes que Anderson capturó en aquellos años –tanto fotografías como filmaciones en formato Súper 8– fueron utilizadas para la realización del documental Bob Marley: The Making of a Legend, editado en 2011. El material es de alto valor artístico. Las tomas estuvieron perdidas durante casi tres décadas y fueron encontradas por casualidad. El director Jeremy Marre se acercó a entrevistar a Esther para un documental que estaba produciendo titulado Rebel Music. Entre las cintas que iba a utilizar había muchas que en realidad le pertenecía a ella. Fue así que surgió la idea de armar este documental que recorre los años formativos de The Wailers. Propone un punto de vista sobre el cambio perceptivo de los músicos y del movimiento rastafari en Jamaica y en todo el mundo. Bob Marley está reflejado como un músico brillante, en el camino de convertirse en una leyenda.

Hace poco ya nos sorprendió Ikea anunciando que añadía a su catalogo mobiliario casas prefabricadas. Ahora le toca el turno a las cámaras digitales desechables que nada tienen que ver con estos típicos televisores de cartón y plástico que se ven haciendo el recorrido por sus tiendas… esas cámaras funcionan.

Las cámaras desechables no son una novedad pero hay que reconocer que una digital desechable siempre sorprende. Diseñada por Jesper Kouthoofd, la sencillez es su razón de ser: apunta y dispara es su lema, con la opción de borrar fotos también. Tiene memoria para 40 fotos con una resolución de 2,3 megapíxeles y una conexión USB para pasarlas al PC/Mac.

¿Hay mercado para este tipo de cámaras? Todo depende del precio pero soy escéptico ya que hoy por hoy casi cualquier móvil lleva a bordo una cámara. Aunque realmente no creo que sea la intención de Ikea puesto que se trata de una edición limitada para promover su nueva colección de muebles. La idea es simplemente crear un poco de buzz para que los clientes saquen fotos a sus muebles y casas para luego compartirlas en redes sociales y la página web de Ikea.

No importa cuál es el propósito de Ikea, he de decir que la fusión entre tecnología digital y la estética del cartón reciclado me gusta. Sólo nos queda por esperar, al menos para los potenciales amateurs que vayan a comprar esa cámara, que no venga con un manual de instrucciones de montaje, sería una catástrofe… En fin, es probable que pronto veamos las fotos tomadas por clientes de Ikea en todo el mundo en un mural digital en alguna sección de la página de Ikea.

Esta colección formada por cien cámaras fotográficas nos lleva de viaje por la historia de la fotografía, desde cámaras lomográficas hasta las clásicas Polaroid, pasando por las más modernas DSLR.

Su trabajo está siendo distribuido bajo licencia Creative Commons Attribution 3.0, lo que significa que puedes descargar cada una de las ilustración y hacer buen uso de ellas, siempre y cuando se respeta los derechos de autor poniendo su nombre en los créditos de la obra derivada.

Y esto es precisamente lo que ha hecho Antonio Vicentini en su brillante animación en formato vídeo que puedes ver más abajo. Me encanta la forma en la que sintetizo el tema de la evolución de las cámaras de fotos a través del tiempo; algo para recordar y un guiño que seguro emocionará a los fotógrafos más veteranos. Personalmente, me quedo con la cámara Kodak desechable, mi primera cámara con unos 7 años. Es cuestión de nostalgia, nada más.

Accede a la colección aquí.

XBox 360 se ha convertido en más que una vídeoconsola, More Than Games, es una plataforma de entretenimiento que te permite ver películas, tus programas favoritos, deporte… Y esta tendencia se acentuará más aún con el hecho de que este año se incluirán en la plataforma una serie de partners y sus aplicaciones que apoyan este concepto de plataforma de entretenimiento, como son Movistar Imagenio, Canal +, GolT, Antena 3, RTVE, Youtube, Daily Motion… que se sumarán a los ya existentes que puedes consultar aquí.

Estas nuevas aplicaciones llegarán como parte de la nueva actualización del dashboard de XBox Live. El nuevo interfaz de Xbox 360 ha sido completamente renovado para facilitar una navegación cómoda, sencilla e intuitiva tanto si utilizas Kinect como si usar el mando de Xbox 360 ¡Llegar a donde quieres es más fácil que nunca!

Además, gracias a la búsqueda por voz de Bing y Kinect, encontrar tus juegos, películas o programas de TV es más fácil que nunca: ¡simplemente di en voz alta lo que quieres buscar y tu Xbox lo encontrará! Puedes verlos en acción en el siguiente vídeo y el que encontraréis al final del post:

Encontrar amigos con los que jugar online también es más sencillo que nunca gracias al nuevo sistema de “Señales”. Entra en el juego y automáticamente les llegará a tus amigos una señal de que estás conectado y listo para una partida. ¡También podrás ver a qué juegos quieren jugar ellos! Si lo que más te gusta es compartir, ahora podrás postear tus logros y mejores momentos en Facebook sin tener que salir del juego, simplemente haz clic en “Compartir”.

Con la posibilidad de guardar tu perfil en la nube, podrás acceder a tu perfil de Xbox LIVE desde cualquier consola, en cualquier momento, para ver tus partidas guardadas, tus amigos, Microsoft Points, etc.

Lo más destacado de esta actualización, en los puntos siguientes.

TELEVISIÓN

¡Ahora la mejor forma de disfrutar de la TV es desde tu Xbox 360! Disfruta de la mejor TV en directo y de tus programas favoritos en HD bajo demanda gracias a los mayores proveedores de contenido. Con Kinect podrás utilizar tu voz para pausar y rebobinar películas y series o cambiar de canal.

APLICACIONES DE ENTRETENIMIENTO

Xbox LIVE te permite disfrutar al instante de las mejores películas, TV y deportes directamente en el salón de tu casa. Elige entre una gran variedad de Aplicaciones de Entretenimiento, incluyendo GOL Televisión, YouTube y muchas más, y disfruta de programas bajo demanda para toda la familia.

SEÑALES DE AVISO

Cuéntale a tus amigos de Xbox LIVE y Facebook que te apetece echarte unas partidas online. No importa lo que estés haciendo, cuando un amigo te responda podrás unirte a él al instante y empezar a jugar.

PERFIL EN LA NUBE

Llévate tu perfil de Xbox LIVE a cualquier Xbox 360, incluyendo tus partidas guardadas, tu lista de amigos, tu suscripción a Gold, Microsoft Points, etc. ¡Ideal para disfrutar en casa de tus amigos!

CONTROL Y BÚSQUEDA POR VOZ

Con Kinect, tú eres el mando. Encuentra tus programas de TV favoritos al instante, pausa y rebobina películas o series. Con la búsqueda por voz de Bing y Kinect ¡tú lo dices y Xbox lo encuentra!

Puedes encontrar más información sobre la XBox 360 y el nuevo Dashboard que podremos disfrutar en breve en los siguientes enlaces de la marca:
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Carlsberg decidió comprobar cuál sería la reacción de unas cándidas parejas al enfrentarles a este peculiar desafío. Tuvo lugar en una de las salas del cine Kinepolis de Bruselas y, no tiene desperdicio, las reacciones de las parejas son autenticas. ¿Superarán este pequeño reto de la vida cotidiana?

Si te fuera a pasar algo así,… ¿qué harías? Piensa en todos esos momentos incómodos con los que uno se topa en su camino, esas pequeñas pruebas que te da la vida. Carlsberg apuesta por esas oportunidades de demostrar valentía y piensa que te mereces una recompensa por seguir adelante, piensa que te mereces una Carlsberg.

Y ya lo creo que me merezco una, y más por los tiempos que corren. No necesito ser un héroe, tan sólo colgar mis prejuicios y superar día a día los retos que me ofrece la vida, pasarlo bien siendo yo mismo… no importa si odio mi jefe o si he pillado un atasco, lo importante es salir airoso y seguir luchando. Y un buen sitio para empezar, con diversión, es la página de Facebook de Carlsberg España.

Sin embargo, aunque ahora ya hay otros tipos de cámaras con objetivos intercambiables, no hace tanto tiempo, tener una cámara réflex era sinónimo de poder cambiar el objetivo y tener que elegir con cual hacer fotografías.

Por lo tanto, todo fotógrafo, ya sea aficionado o profesional, tiene que escoger un objetivo tarde o temprano y tiene que pensar siempre en el tipo de fotos que quiere hacer.

Lo más complicado en la fotografía es darle nuestra propia personalidad a cada toma. Y para ello, dependiendo del tipo de fotografía que pretendemos hacer, tenemos una variedad de objetivos que cada uno con sus características propias, nos ayudará a impregnar en las capturas nuestra personalidad.

Canon, como especialista de la imagen desde hace más de 70 años, es consciente de que cada fotografía contiene una gran parte de la personalidad de la persona que la ha tomado, tiene a disposición de sus clientes una gama de objetivos EF de más de 60 ejemplares para que cada uno de ellos pueda elegir.

¿Qué fotos prefieres hacer?

Hay muchos tipos de fotos: fotografía paisajística, retratos, fotografía deportiva, fotografía arquitectónica, fotografía macro, fotografía de moda…

Pero, ¿cuál es el que más te apasiona? En mi caso, siempre he deseado hacer una panorámica de la ciudad de Manhattan desde el edificio Chrysler, para la cual usaría un objetivo zoom standard de Canon.

Así que obviamente, me gusta mucho la fotografía paisajísitca.

¿Qué objetivos tiene Canon?

Tiene todo tipo de objetivos, desde grandes angulares a telezooms, pasando por los objetivos macro, las focales fijas y los zoom standard.

Siempre hay unos objetivos más recomendables que otros a la hora de hacer tipos específicos de fotografía, pero como hemos comentado antes, la visión creativa y de nuestra personalidad fotográfica es lo que cuenta.

Si andas un poco perdido y vienes con ganas de aprender, Canon ha puesto a nuestra disposición toda una serie de tutoriales sobre objetivos: macro, paisaje, retrato, deportes y naturaleza.

El recital era casi perfecto, sonido impecable, The Clash fluía con el empuje de su mejor momento creativo. Sin embargo algo atacó a Paul Simonon ese 21 de septiembre de 1979, en el Palladium de Nueva York. Fueron dos golpes, con el primero, el cuerpo de su Fender Precision rebotó contra el escenario; el segundo fue definitivo, abrió las piernas y con toda la rabia que encontró en sus brazos partió el instrumento en pedazos. Nunca antes había roto un bajo, y nunca volvió a hacerlo. Fue un impulso inconsciente, ni él sabe por qué hizo lo que hizo. La fotógrafa Pennie Smith, aplastada sobre un costado, capturó el momento. Fue un instante que se convirtió -para muchos- en la mejor foto de la historia del rock.

La banda estaba en plena producción de London Calling. Después de vivir momentos complicados y un sinfín de discusiones internas, los músicos habían logrado concentrarse en el estudio para componer un puñado de canciones brillantes, trabajadas en detalle desde los arreglos hasta la letra. El punk se consolidaba como un nuevo imperio británico, y ellos ya habían experimentado la fama y el fracaso: los dos extremos del péndulo. Paul Simonon, Joe Strummer, Mick Jones y Topper Headon, junto al excéntrico productor Guy Stevens, hacían historia encerrados en un estudio a fuerza de tomas directas. “Estamos tratando de hacer algo nuevo, queremos ser la mejor banda del mundo y a la vez ser radicales. Y quizás las dos cosas no pueden coexistir. Pero de todos modos lo vamos a intentar”, dijo Strummer a fines de 1978.

La sesiones de grabación eran interminables. Stevens -perjudicado por el alcohol y las drogas- revoleaba sillas y escaleras mientras la banda afilaba las composiciones. Fueron meses de una atmósfera tensa y de alto vuelo artístico. Ya no era cuestión de darle una vuelta de tuerca al punk, The Clash avanzaba con una revolucionaria fusión de ska, dub, reggae, rockabilly, soul y pop. Las letras eran como agujas en la médula de la sociedad inglesa de posguerra. La juventud volvía a mirar con entusiasmo los viejos principios del anarquismo. Se vislumbraban las grietas de un sistema fragmentado. Había mucho para decir.

Simonon nunca olvidó aquella noche del Palladium. La gira Clash Take the Fifth era un éxito. El público se abarrotaba de a miles en cada ciudad para conseguir entradas. El punk inglés elevaba el puño dentro de un mercado ávido por catapultar nuevas figuras. Lo de siempre: vender discos, firmar remeras, rebalsar estadios. Pennie Smith había sido contratada para hacer la producción fotográfica del nuevo disco. Caminaba el escenario de punta a punta, atenta a cualquier gesto, a cualquier movimiento que connote una actitud punk. Esa noche había estado casi exclusivamente sobre el costado de Jones, estaba más cómoda y la luz se proyectaba con mejor ángulo. Recién sobre el final dio la vuelta, justo cuando el Fender martilló las tablas.

“Iba todo bien. Pero algo adentro mío me decía que no, que las cosas no iban bien”, recuerda el bajista. Entonces la furia. El mástil, partido, quedó colgando entre las cuerdas. Y un pedazo del cuerpo saltó por los aires. Simonon recuperó apurado cada parte y salió del escenario arrastrando el instrumento. Estaba arrepentido. “Muchos dijeron que estaba todo armado para la foto. Es obvio que no. Ese Fender era el mejor instrumento que tenía. Si yo fuera inteligente hubiera roto el bajo de repuesto, que no era tan bueno como el que destrocé”, explica.

Al poco tiempo Smith y todo el equipo de The Clash se reunieron en Inglaterra para definir la portada del disco. Había un centenar de fotos, pero la decisión fue unánime. El diseñador Ray Lowry elevó el pulgar de inmediato, el resto de la banda también. Smith no. Se opuso terminantemente. Dijo que la foto estaba mal tomada, que el foco no era el correcto, que la luz estaba desequilibrada, que le parecía un despropósito usar una imagen técnicamente fallida. De más está decir que no le llevaron el apunte. Apartaron la imagen y comenzaron el trabajo de diseño.

La idea fue homenajear el álbum debut de Elvis Presley, por eso Lowry utilizó la misma tipografía y la misma composición gráfica. El diseño es bien simple: la foto de fondo, The Clash en letras blancas, London Calling en verde y rosa. Tan directo y efectivo. Los enlaces con la historia del rock son evidentes, además de Elvis, la foto se conecta conceptualmente con el ritual que inició Pete Townshend -guitarrista de The Who, el primero en despedazar un instrumento en vivo- a principios de los 60. Simonon asegura que en la música y en la pintura es muy fácil encontrar las señales del pasado. “Todo lo que sucede en la actualidad -dice- es una mezcla de lo que viene sucediendo a lo largo del tiempo. La foto de London Calling se remonta a la tradición de Townshend, a su violencia icónica fundamental para el rock. Igual que la tipografía. Cuando Elvis sacó ese disco, el rock and roll era algo peligroso para la sociedad. Lo mismo pasó cuando sacamos nuestro disco. Supongo que éramos algo bastante peligroso”.

La fotógrafa recuerda que vio a Simonon completamente desquiciado. Por eso se acercó apurada al otro costado del escenario. Hasta llegó a pensar que se había enojado con ella, porque se la había pasado toda la noche obturando. “Me puse casi al lado, el lente que estaba usando no lo refleja, pero me tuve que correr porque casi me golpea la cabeza con el bajo. Justamente, no está en foco porque me tuve que tirar hacia atrás”, apunta. Fue una toma sin mediar cálculos. Improvisada y exacta.

En el año 2002 la obra de Smith fue elegida por la revista Q como la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos, bajo el argumento que “capturó el instante cumbre del rock, la pérdida total del control”. El bajo partido, desde 2009, está expuesto en el Salón de la Fama del Rock de Cleveland. Simonon cuando ve la foto todavía se lamenta, no sólo por haber destrozado su mejor bajo. “Me hubiera gustado levantar un poco más la cara”, suele decir.

1. Loonapix

Comenzamos con Loonapix, en español, y con gran variedad de marcos digitales para elegir. Abundan los de temática infantil, artísticos y fantasiosos, no hay mucho para quienes desean un recuadro discreto para un simple foto, pero se ven muy bien. Es fácil de usar, y permite agregar algún texto en la nueva imagen creada.

2. JPG Fun

JPG Fun tiene una gran cantidad de marcos en buena calidad para elegir, puedes pasarte un buen rato mirando cada uno. Por lo general son de fantasía y artísticos, aunque no son tan desprolijos y poco creíbles como suelen ser los marcos de este tipo. Es muy simple, y no permite ediciones de ningún tipo, más que redimensionar un poco la fotografía para que quepa bien en el marco. Una lástima.
 

3. Big Huge Labs

De Big Huge Labs hablo cada vez que tengo oportunidad, ya he comentado que es un sitio muy completo de efectos simples para fotos. Así es como también tiene una herramienta para agregar marcos digitales, y es bastante buena, aunque no tenga una presentación impresionante ni nada por el estilo. En esta oportunidad, los marcos son más sencillos, y varían entre efectos (difuminado de bordes, reflejo), formas, con imagen de fondo, polaroid, y más.
 

4. Frame My Pic

Y si antes hablaba de “grandes cantidades”, entonces hay que decir que Frame My Pic contiene como una tonelada completa de marcos digitales para tus fotos. Casi todos son de tema romántico y de fantasía, de esos que quedan muy obvios cuando los agregas sobre tus imágenes, pero como dicen, sobre gustos… No ofrece demasiadas configuraciones para hacer. Punto a favor: el resultado final tiene muy buena resolución.
 

5. Funny Pho.to

Funny Pho.to tiene mucho para hacer. Los marcos aquí dejan de ser recuadros simples para las fotografías, y van más por el lado de los montajes, donde puedes agregar tu cara en casi cualquier cosa que se te imagine. Están los simples, que lucen como portarretratos, y luego composiciones bastante divertidas, en las que puedes salir incluso flotando en alguna nebulosa del espacio, y cosas por el estilo. Son marcos al fin, extraños y un poco graciosos, pero valen la pena aunque sea para ver de lejos. Hay cientos y cientos de plantillas.
 

6. Clip Your Photos

Otra herramienta de marcos “discretos”. Clip Your Photos deja encuadrar las imágenes con efectos bastante fáciles (¡y bonitos!) para el resto de la humanidad, porque aquí que no hay ninguna habilidad con el retoque digital, se hace bastante complicado. Los efectos son mayormente utilizando los propios bordes de la foto, aunque también incluye algunos extras como bordes de cinta de película, retrato de madera, etc. No hay más personalización.
 

7. Frame Toy

Volviendo a hablar de herramientas con marcos y efectos poco creíbles, Frame Toy es uno de los exponentes máximos. La ventaja es que, si no te importa mucho que tus montajes se vean falsos como una moneda de 3 euros, tienes unos cuantos años para decidirte por tu marco favorito entre todas las opciones: estaciones, festividades, amor, infantiles, paisajes, ciudades, ocasiones especiales y mucho más. No son configurables más allá de elegir el marco, pero se ven entretenidos.
 

8. Scrapee

Hay apenas un puñado de marcos en este sitio en español llamado Scrapee, y todos de estética juvenil y fantasiosa, así que no dejes de probarlos si tienes 13 años (¡!). Hablando en serio, están muy correctos, sin mucho para cambiar de las plantillas originales, pero se ven en buena calidad y de seguro te quitan de alguna necesidad.
 

9. Foto Efectos

Foto Efectos es otro sitio en español donde lograr marcos divertidos, estilo fotomontaje. Hay muchísimos disponibles, y permite un poco de personalización, agregando texto o filtros para cambiar el aspecto de la imagen original, algo que no todas estas herramientas nos facilitan siempre.
 

10. Pictures4Fun

Cerrando este compilado de sitios para agregar marcos digitales en tus fotografías, Pictures4Fun tiene algunas de las pocas alternativas que no se han visto en los otros servicios mencionados aquí (¿será por lo horribles?) en cuanto a las plantillas. Los montajes no son de la mejor calidad que se ha visto, pero más opciones para elegir nunca están demás. ¡Ojalá les ayude en algo!

Imagen: Photl

Son dos variables complejas, primero ubicarse en los recovecos imposibles del mundo, después observarlos con ojo de artista. Es cierto que las fotografías del estadounidense Clark Little tienen mucho de azar -no hay demasiadas posibilidades de fotometriar o hacer encuadres muy pensados en el corazón de una ola de cinco metros de altura-, aun así el resultado es asombroso; además de los colores y el impactante efecto de transparencias, el secreto parece estar en el peligro que contagian las perspectivas, un cruce claustrofóbico de luz, arena y toneladas de agua. Casi sin querer, sus imágenes comenzaron a aparecer en medios de llegada internacional. El resto avanzó solo. Hoy dos obras suyas están expuestas en el Museo Smithsonian de Washington, dentro de la muestra Oceans Photography Award, que puede visitarse hasta el domingo 25 de septiembre.

La aventura comenzó en 2007. Little dedicó más de quince años de su vida al surf, nació en 1968, en Oahu, Hawaii, participó en torneos y hay quienes lo señalan como uno de los pioneros en surfear superficies de alto riesgo, muy próximas a la orilla. Su mujer le pidió una fotografía del mar para decorar la habitación, Little, aprovechando su experiencia como surfista, hizo la toma desde adentro del agua; sorprendido por los resultados, el próximo paso fue cambiar la tabla por una cámara y un par de patas de rana. Fue un quiebre definitivo: hace cuatro años que recorre las costas de Estados Unidos, Brasil, Canadá y Japón experimentando con la fotografía.

Little utiliza un equipo simple, liviano y resistente. Por lo general, elije las cámaras Nikon D200, D300 y D3, con un lente ojo de pez de 10.5 mm. Las carcasas protectoras se las fabrica exclusivamente Taro Pacual [Water Housings Hawaii], un especialista que también trabajó en la tecnología utilizada para filmar la serie Lost, Hawaii Five-0 y Bay Watch, entre otras. Es fundamental -explica- contar con un equipamiento sólido, para hacer determinadas tomas tiene que soportar violentos revolcones que lo mantienen bajo el agua casi un minuto. En promedio, para cada ola obtura entre 9 y 10 veces. Su objetivo principal es lograr una buena fotografía, pero nunca descuida su integridad física. Con los años logró entrenar el ojo para reconocer qué ola vale la pena capturar, pero hay muchas que descarta, por más perfectas que sean, porque sabe que puede salir lastimado (especialmente en fondos de coral) o directamente ahogarse.

No sigue ni el cinco por ciento de sus disparos, entra al agua nadando, ubica la cámara en el lugar justo y obtura. Tal vez en una tarde, en dos o tres horas, hace cerca de mil tomas. Recién cuando llega a sus casa y baja las fotos al ordenador puede ver con tranquilidad el resultado de su trabajo. El principal obstáculo son las condiciones meteorológicas, hay días nublados que destruyen la iluminación, y a pesar de que usa flashes especiales es imposible lograr imágenes óptimas. Hay otros días, en cambio, que un par de minutos son suficientes para armar una colección completa.

La habilidad para posicionarse y sostener el peso del cuerpo en medio del oleaje es un legado directo de sus años como surfista. No es sencillo -apunta- hay que saber filtrar monstruos de espuma y esquivar los grandes picos nadando por debajo de la marea. El tiempo y los reflejos rápidos son esenciales, hay días que las ondas son gigantescas, por eso nunca hay que perder el control del cuerpo ni la tranquilidad, porque cualquier error repercute en la capacidad de aguantar la respiración bajo el agua, lo cual puede ser, directamente, mortal.

Su lugar preferido para fotografiar, o al menos dónde más cómodo se siente, es la orilla. Según dice, es una zona de cambios constantes y se forman los mejores colores en la fusión de la espuma, la arena, el sol y el agua. Mar adentro el paisaje es homogéneo, aunque también tiene su encanto. Una de sus fotos más conocidas (está expuesta en el Smithsonian) es Dancing honu, donde retrató a una tortuga gigante que atraviesa el mar por debajo del oleaje. Esa foto, por ejemplo, fue tomada a mitad de camino. “El mar es impredecible, hay variaciones de formas, tamaños y velocidades. Sé que cada fotografía va a ser única, pero si me aburro tengo siempre la playa o los animales de los alrededores. De hecho, las fotos de tortugas aparecieron en la búsqueda de hacer algo nuevo. Uno nunca sabe dónde va a terminar. Lo importante es dejar llevarse por la diversión”, agrega.

Little tiene siempre el oído atento a los comentarios que hace el público sobre su obra, lo que más percibe es el impacto que causa el hecho de encontrar belleza en un paisaje natural tan efímero e inalcanzable. Desde su punto de vista, el secreto está en presentar composiciones que no pueden recrearse artificialmente con tanto realismo, es un momento irrepetible que está por fuera de cualquier manipulación posible en la era del diseño gráfico y las imágenes digitales. “A veces pensamos que hemos visto todo. Pero hay que ver dónde estamos ubicados. Me conmueve que el público comparta los mismos sentimientos que yo siento cuando hago estas fotografías”, señala.

En los últimos tres años editó libros, abrió una galería con su nombre y vendió obra a importantes coleccionistas e instituciones de todo el mundo. Incluso lanzó una marca exclusiva de tablas de surf decoradas con sus imágenes. Little asegura que las cosas fueron dándose en sus propios tiempos; eso sí, reconoce que fue de a un paso por vez, intentando no tropezar en errores de atolondrado. Su mayor éxito -agrega- es no haberse quedado quieto por temor, aunque el mundo de la fotografía sea amplio y extenso prefirió arriesgar y perfeccionarse en movimiento.

1. MagMyPic

Comenzamos este recorrido con MagMyPic, quizás uno de los sitios con más opciones para crear tus montajes de portadas de revista. Deja la opcion de hacerlo a la manera clásica, eligiendo una fotografía desde tu PC, y luego seleccionando alguna de las tantísimas portadas disponibles, que son parodias de revistas que realmente existen. ¿Qué tal te suenan “Vague”, “Player” o “Riches”?  También puedes elegir cargar las imágenes directamente desde Facebook. Es una de las poquísimas que incluye algún aspecto “social”: puedes investigar trabajos ajenos y calificarlos.
 

2. Posterini

Siempre tengo un favorito en este tipo de listas, no puedo evitarlo. Esta vez Posterini es mi elegido. No solamente puedes crear portadas de revistas, sino que además tienes oportunidad de generar láminas como si de posters de cine se tratara, utilizando herramientas divertidas y muchas opciones. Hay algunos filtros para cambiar a gusto el aspecto del poster o tapa de revista como si estuvieras utilizando un editor gráfico completo. Además, un detalle genial cuando seleccionas tu Output Magic. No te lo pierdas.
 

3. OnConverPage

Digamos que OnCoverPage es una alternativa demasiado… simple, pero que al fin y al cabo también puede darte una portada famosa. No hay muchas opciones en realidad: una foto, una leyenda, y un estilo entre Nacional Geographic, Playboy, Business Today, Rolling Stone, Glamour, y alguno más. Incluso el resultado no es muy creíble (lo correcto sería “es menos creíble que todos los demás”), pero qué va, no hay nada que nosotros, los brutos del Photoshop, podamos hacer al respecto.
 

4. FrontPageMe

Desde un comienzo, jamás esperé mucho de FrontPageMe, pero a pesar de todo intenté ver el lado bueno considerando que también permiten crear portadas de periódicos, algo que ninguno de los otros servicios incluye. No, no son sofisticadas. Sí, podrías lograr algo parecido utilizando el Paint de Windows. Al menos tienes algunas opciones para personalizar medianamente (introducir texto, cambiar forma, etc.). Quizás solo es que lo estoy viendo muy trágico (no).
 

5. Fake Magazine Cover

Juro que iba a pasar Fake Magazine Cover de largo, pero como aquí es todo democrático, finalmente lo incluimos para los masoquistas, pues siempre puede existir alguien que busque la opción más espantosa, con el banner publicitario más grande, para hacer su portada de revista. El sitio es terrible, la calidad de los montajes es terrible, y por lo general todo lo es. No digas que no avisamos.
 

6. Revistate

De vuelta a algo más decente, Revistate es una alternativa genial para crear montajes de revista, y en español. Muy sencillo de usar, y con varias opciones de revistas editadas en España y Latinoamérica, lo cual sí es una novedad para la lista que venimos teniendo, donde por supuesto no te encuentras así nomás con las tapas de ¡Hola!, Caras, Interviú ni mucho menos. Los montajes quedan bien, aunque hay que pagar el precio de otro banner bastante invasivo en medio de la imagen.
 

7. MagCover

MagCover es la gran estrella de esta lista. Si bien hice un pequeño destaque sobre Posterini, esta herramienta en especial se lleva toda la atención en cuanto a presentación y calidad. Las portadas son completamente configurables, con muchas plantillas básicas y todos los aspectos contemplados. Los resultados son sorprendentes y el banner pasa bastante desapercibido. Lo único: tienes que registrarte sin falta.
 

8. Big Huge Labs

Big Huge Labs es un sitio del que podemos hablar largo rato, pues tiene muchísimos efectos para agregar en tus fotos, y no es un servicio para el que necesariamente debas estar registrado, como sí sucede en algunos editores y herramientas en línea. Por desgracia, el generador de portadas de revista no es una de las fortalezas de Big Huge Labs, que aunque tiene algunas utilidades, no deja de ser bastante engorroso de manejar. Es mucho más personalizable que la mayoría de las opciones en este compilado, ¿pero configurarlo todo mediante formularios y código hexadecimal de colores? Vamos, muchachos.
 

9. Soy Portada

Otra en español, y al igual que Revistate, con portadas más cercanas a las que vemos en los kioscos a diario, aunque en forma de broma. Solamente puede editarse el titular, y la imagen final tiene una resolución bastante pobre, debo decir. Hay bastante para elegir.
 

10. Magazine Cover

Magazine Cover es bastante fácil, con sólo 3 pasos para crear una portada de revista lo suficientemente personalizada como para no pasar por los papelones de otras herramientas en esta lista. Puedes elegir entre tapas como las de Cosmopolitan, Playboy, Glamour, Wired y algunas más. Los títulos son editables, y el resultado final… bueno, en pequeñito se ve bien.
 

11. Faites La Couv

Puede que Faites La Couv tarde un poquito en cargar, y también puede que esté ligeramente…en francés… En fin, más allá de todo, es una de las mejores herramientas, con varias portadas para elegir que no se repiten en otros sitios, y pasos rápidos para terminar con el trabajo. Puedes editar títulos y, lo más importante, ¡cuando todo termina se ve genial!
 

12. My Picture on Magazine

Corto y al pie: más de 15 portadas originales de revista, ingresas la foto, y eso es todo. Las tapas que creas en My Picture on Magazine son muy poco personalizables, y la calidad al final es algo dudosa, pero lleva más tiempo escribir el nombre en el buscador que hacer todos los pasos para conseguir la tapa que necesitabas, créeme.
 

13. FakeAZine

¡El último! Aquí se acaba todo, con FakeAZine, un servicio bastante bueno para hacer estos montajes. No tiene las portadas de revistas más populares, pero los trabajos quedan bastante bien. No es de los más configurable, sin embargo, al ser las portadas tan completas, casi no sentirás necesidad de hacer ningún retoque.

Las fotografías del brasileño Sebastião Salgado encuadran un reclamo social latente, son el reflejo de las necesidades de los desposeídos, de aquellos que articulan una lucha silenciosa en base a la fuerza de sus propias manos. La dignidad del trabajo en la pobreza. El escenario desgarrador de la marginación. Salgado estudió economía y prestó servicios para organizaciones de alto vuelo internacional como la OIC (Organización internacioal del café), pero en 1973 pateó el tablero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. Con 29 años y de modo autodidacta recorrió el mundo capturando imágenes que lo ubican como uno de los reporteros gráficos más respetables de las últimas tres décadas.

“Un rostro revela la historia y el sufrimiento de todo un pueblo”, asegura. Sus trabajos se extienden años, es meticuloso en la selección de cada imagen, camina tierras inhóspitas hasta toparse con la sociedad profunda, la sociedad que intenta construir sus propios códigos mientras sufre los códigos ajenos. En ese lugar, sea donde sea, desenfunda su Leica para arrebatar, en blanco y negro, un testimonio inminentemente artístico y violentamente político. “Espero que la persona que se acerca a mis exposiciones no sea la misma al salir”. Así dice. Así parece ser.

Su primera serie, América latina, es una colección de fotos tomadas entre 1977 y 1984. Después de recorrer Europa y parte de África, desembarcó en Latinoamérica para mostrar las comunidades que luchan por su supervivencia en las costas del noreste de Brasil, las montañas de Chile, Bolivia, Perú, Ecuador, Guatemala y Méjico. El núcleo del trabajo registra la vestimenta casi prehistórica, las tierras áridas, la pobreza, la entereza espiritual y la muerte como anécdota y rutina. En Sierra Madre, entre hongos mágicos y peyote, escuchó historias sobre la imaginación de los vivos, ese borde insólito que separa dos mundos. El real y otro, distinto: también real. Salgado explica que fueron siete años en los que saltó siete siglos al pasado, donde el pulso del tiempo tiene otro valor y el flujo de culturas se enaltece en el sufrimiento. La obra completa integra el libro Otras Américas, publicado en 1986 y presentado oficialmente en el marco de una gira que atrajo a millones de espectadores en todo el mundo.

Ese mismo año editó Sahel: l’homme en détress [Sahel: el hombre en peligro], basado en fotografías que tomó en esta zona de África durante y después de una sequía de magnitudes catastróficas que empujó a enfrentamientos bélicos en Chad, Eritrea, Sudán y Etiopía. El éxodo se planteó entonces como la única esperanza para sobrevivir. Salgado dedicó meses para registrar las consecuencias; trabajó junto con el equipo de Médicos sin fronteras. Las fotografías tuvieron una fuerte repercusión en la prensa internacional y también integraron una muestra itinerante.

En 1993 editó el libro Workers, un ensayo que comenzó a finales de 1986 sobre la temática de la mano de obra en los cinco continentes. La idea fue contar la historia de una época, signada por el avance de una Revolución industrial que, desde el presente, tropieza con el futuro de hombres y mujeres para ubicar a la competencia de mercado como única consigna. El resultado es una línea arqueológica y visual que deja en claro cómo el trabajo de muchos beneficia a pocos.

“Vivimos en un mundo altamente industrializado, pero la producción es apenas para un quinto de la población mundial. Los otros cuatro quintos no tienen siquiera posibilidad de convertirse en consumidores. Sin embargo, son los encargados de mantener en movimiento los engranajes del sistema. El destino de los trabajadores es el de crear un nuevo mundo para revelar una nueva vida, para recordar que no existen fronteras. De esta manera se adaptaron, se resisten. Creen para sobrevivir”, explica el artista.

El segundo capítulo de Workers se tituló Migrations [Éxodos] y fue editado en el 2000. Los cambios drásticos en los modos de producción movilizaron a Salgado a mostrar las repercusiones sociales, evidenciadas en las condiciones de millones de emigrantes que vagan de país en país en busca de un lugar para establecerse. Víctimas del desarraigo, muchos terminan en campamentos de refugiados o suburbios urbanos donde no tienen otra opción que resignarse a ser explotados. “La desigualdad económica genera cambios globales. Todo lo que sucede en el mundo está interconectado, todos estamos afectados por la creciente brecha entre ricos y pobres, por el crecimiento demográfico, por la mecanización de la agricultura, por la destrucción del medio ambiente, por la intolerancia de los políticos. La gente arrancada de sus hogares es la víctima más visible de esta convulsión”, señala. Salgado fotografió gente en 41 países durante casi siete años en busca de una reflexión social que enfrente la idea salvaje del individualismo.

En 2003 presentó el libro The end of polio [El fin de la polio], donde retrata el trabajo que equipos especializados realizan en la República Democrática del Congo, India, Pakistán, Somalia y Sudán para combatir la poliomielitis, enfermedad que afecta a los niños de entre cinco y diez años. Se calcula que para 1988 había casi 1000 nuevos enfermos por día. Para 2002 las cifras bajaron a 2000 casos anuales. El ensayo recupera visualmente el esfuerzo y el riesgo de los médicos y voluntarios que colaboraron para enfrentar el brote de contagios. Son sesenta fotografías que todavía se exponen en distintas galerías de Estados Unidos, Asia y Europa.

Actualmente, Salgado trabaja en Génesis, un proyecto a largo plazo que sigue la misma línea que todos los anteriores pero con un giro sustancial: va en busca de la belleza, de lo que todavía está en pie a pesar de los procesos destructivos que desatan algunas actividades humanas. Las imágenes también está focalizadas en el ser humano, pero contextualizadas en áreas primitivas, donde todavía existen culturas que mantienen sus tradiciones ancestrales. Es un trabajo de conservación antropológica que comenzó en 2004 y se extenderá hasta el 2012.

El artista define a Génesis como un intento de captar la majestuosidad de las regiones en estado prístino, áreas silvestres donde los paisajes son vírgenes, lugares donde las comunidades humanas construyen su propio tiempo. Algunas de estas historias ya se han publicado en medios como Paris Match, Rolling Stone, La Vanguardia, Visão, Guardian y La Repubblica. Por el momento, hay cerca de veinte series finalizadas, que incluyen a las Islas Galápagos en Ecuador, la Antártida y los bosquimanos de Botswana.

1. TotallyCoolPix

Comienzo por mi favorito indiscutible. TotallyCoolPix es uno de los mejores rincones que podrás encontrar en la web para disfrutar de galerías que derriban mandíbulas. No se limitan exclusivamente a recopilar imágenes de sucesos y ocasiones especiales del año, sino que además incluyen homenajes fantásticos, galerías temáticas, fotógrafos invitados y resúmenes de la semana. Todo en fotos, claro.

2. Astronomy Picture of the Day

¡Un verdadero clásico! Muchas de las imágenes del Universo que te sorprenden día a día en blogs, Twitter y demás sitios, ya se han publicado en Astronomy Picture of the Day, la página oficial de la NASA para estas fotografías. Encontrarás a diario un pequeño retrato de las partes más impresionantes del Cosmos, con algunas precisiones interesantes sobre la imagen para que sepas algo más sobre la hermosa inmensidad que nos rodea.

3. Office Snapshots

Si bien no sigue con la línea despampanante que trazan los dos puntos anteriores, Office Snapshots puede llegar igualmente a sorprenderte. Estos muchachos se encargan de invadir las oficinas de las firmas más famosas para capturar todos los espacios posibles y enseñarnos dónde y cómo trabajan. Tanto si quieren quitarse la curiosidad como si quieren reventar de envidia, les sugiero que no dejen de pasar por allí.

4. The Big Picture (Boston Globe)

Hay dos tipos de periódicos online: los que adquieren varias imágenes aleatorias ajenas para hacer su galería “el día en fotos”, y… los que adquieren todo un set de imágenes relacionadas para publicar una galería temática. El diario The Boston Globe es uno de ellos, y dedica su sección The Big Picture a las imágenes más alucinantes sobre algún suceso particular, o reportajes gráficos especiales. Hay muchos haciendo lo mismo, pero The Big Picture es una de las secciones mejor armadas que podemos mencionar.

5. Worth1000

También hay algo para los fanáticos de los delirios. Worth1000 es una gran exposición de composiciones fantásticas (y me refiero a la fantasía), photoshop, e imposibles que se hacen posibles. El sitio organiza enormes concursos con temáticas particulares, y los participantes son aquellos que dejan estas increíbles imágenes para soñar con cosas que nunca nos hubiéramos imaginado.

6. In Focus (The Atlantic)

Otra sección recopilatoria de un periódico, en este caso The Atlantic. Se trata de In Focus, un apartado de reportajes gráficos súper atrapantes, para poder asimilar de manera visual algunos de los hechos, personajes e historias más importantes del presente y del pasado. Las galerías se publican con una frecuencia de 1-2 días con contenidos, muchas veces, inesperados. No puedes perdértelas de ninguna manera.

7. Beautiful Photos Gallery

Es una pena que este sitio no publique con tanta frecuencia como los anteriores, pero he decidido incluirlo en la lista simplemente por original y bello de sus recopilaciones. No hay reportajes especiales sobre la 2da Guerra Mundial ni los conflictos civiles de África en Beautiful Photos Gallery, pero sí te encontrarás con magníficas selecciones fotográficas de paisajes, animales, piezas de arte y momentos específicos a los que tampoco querrías renunciar.

8. Photography and Photos of the Day (National Geographic)

Para cerrar, no importa qué otros elijamos, National Geographic simplemente no puede quedar afuera. Por supuesto, sus galerías de imágenes están íntimamente ligadas con el medio ambiente, los seres vivos y los fenómenos naturales, así que si quieres ver fotos de animalitos en acción, aguas turquesas y atardeceres de película, no encontrarás mejor espacio que este.

Imagen: Photl

Había cosas para decir. Finalizaba la década del 80, se vislumbraban cambios gruesos. En Francia, la prensa de rock se había estancado en el mainstream, sólo clásicos y comerciales, entonces Los Inrockuptibles fue en busca de los espacios vacíos. Los inicios se caracterizaron con el estilo do it yourself: un fanzine básico, salía cada dos meses. Eran tres que hacían todo, eran fanáticos no profesionales. Y fue un éxito. Renaud Monfourny fue uno de los integrantes de esa pequeña cúpula fundadora. Fotógrafo, lleno de ideas, con el tiempo generó una estética en su trabajo que influenció a las revistas de peso pesado. Hicieron dinero, profesionalizaron la publicación y se adjudicaron un lugar de privilegio dentro de la escena emergente, en ese momento comandada por The Smiths, en Europa, y REM, en Estados Unidos.

Los medios quedaron atrás en su carrera como artista, en la actualidad está íntegramente dedicado a la fotografía. Rock, cine y literatura. En más de 20 años como profesional fotografió a celebridades de la talla de Woody Allen, The White Stripes, Pixies, Adam Green, Cat Power, David Lynch, Elioth Smith, Michel Gondry, Ulan Bator, Björk, Lou Reed, Nick Cave, Pascal Ferran, Patty Smith, Carla Bruni, Sonic Youth, Quentin Tarantino, Iggy Pop, Velvet Underground, Kurt Cobain, William Burroughs, Adolfo Bioy Casares y Regina Spektor, entre muchas otras. Sus imágenes están girando constantemente por museos y galerías de todo el mundo.

La intención de Monfourny es acercar, nada de fotos/cuadros ni grandes dimensiones. Nada que tenga que ver con el consumismo. La sociedad, explica, es incapaz de interrogar la actualidad y menos cuestionarla. La fotografía debe ser –continúa- un vehículo, sin lugares comunes ni íconos diseñados en favor de una crítica institucionalizada.

“Me alejé de la revista casi naturalmente. Hoy es una empresa gigante, trabajan 70 empleados. Cuando una empresa crece hay quienes quedan en la dirección y otros en contacto con los artistas, yo preferí quedarme con los artistas. Hoy el mundo cambió, la revista evolucionó con el negocio de la música. Es mucho menos divertido que antes”, dice en perfecto francés.

Full equipe

Si en algo aún destaca la Pentax Optio X90 es en su larga lista de prestaciones, características y gadgets que harán las delicias de los geeks y usuarios iniciados en la fotografía

1. Objetivo zomm X26 equivalente a 26-676mm f2.8-5
2. Sensor CCD de 12 Mpx
3. Sistema de estabilización de imagen SR
4. Pantalla LCD posterior de 2,7 pulgadas y 230k
5. Grabación de vídeo HD a 720p y 30 cuadros por segundo
6. Modo D-Range para la optimización del rango dinámico
7. 9 puntos de enfoque y modo ráfaga de hasta 11 fps

Construcción y manejo

La Optio X90 es una cámara muy compacta y es la primera sensación que deja en la mano. El cuerpo esta construido en plástico liso y este no posee ninguna estría o textura que facilite el agarre de la cámara o la intuición de la posición de los controles. Los únicos detalles ergonómicos los encontramos en un refuerzo para apoyar el pulgar y una hendidura en la empuñadura que siempre es de agradecer. Lo cierto es que tiene un tacto plasticoso pero una vez superada esta primera sensación nos encontramos con una cámara fácil de transportar y segura de sostener mientras tomamos fotografías.

Los controles están bien situados y son abundantes además de permitir una gran configuración de los mismos para un rápido cambio de los parámetros de la toma, los menús y la navegación me han parecido también bastante ágiles. Palanca de zoom y disparador tienen un tacto correcto. El visor electrónico, normalito, es el esperado para el segmento donde se mueve esta cámara con un ocular relativamente cómodo. La pantalla posterior cumple correctamente su función y no me ha presentado muchos problemas de visibilidad a la hora de tomar fotografías en exteriores.

La velocidad de enfoque me ha parecido más que correcta, incluso en situaciones de baja luminosidad me ha resultado fácil situar el foco. El sistema de estabilización da confianza y me he atrevido sin miedo  a disparar con focales extremas a bajas velocidades de obturación con resultados más que aceptables. La cámara permite operar en modos manuales y automáticos (PASM) y cuenta con un buen surtido de escenas y filtros inteligentes para modificar nuestras imágenes in situ y darnos un plus de creatividad.

Calidad de imagen

Esta pequeña bridge de Pentax presenta como principal atractivo un objetivo zoom X26 equivalente a una focal de 26-676mm f2.8-5 que nos da una versatilidad tremenda para tomar fotografías. Dicho esto es bien sabido que no se puede tener todo y la calidad óptica tiende a resentirse en estos objetivos superzoom por lo que no debemos esperar maravillas. La lente de la Optio X90 rinde de forma correcta para el nivel esperado y en mi opinión personal presume de una distorsión contenida en angular que es muy de agradecer en este tipo de objetivos. Para un usuario medio que no necesite grandes impresiones o se obsesione en la visión al 100% de la imagen la calidad obtenida es más que suficiente.

Dado que la cámara no permite la captura de imágenes en formato RAW debemos conformarnos con los resultados entregados en JPEG por su sensor CCD de 12 megapíxeles. Estos son los esperados y son correctos en nitidez pero se echa a faltar una mejor gestión de los tonos y contrastes de la imagen por no hablar de la excesiva compresión de los archivos JPG y el lavado de algunas texturas ya visibles incluso a bajas sensibilidades. Por contra, el comportamiento del balance de blancos junto a la captación e interpretación del color me han parecido muy conseguidos, con matices muy naturales y una muy correcta representación de los tonos rojos tal y como podemos apreciar en la fotografía de la amapola que acompaña a este párrafo.

La cámara se mueve bien entre la franja de los 80 – 400 ISO. En la más baja sensibilidad y con buena iluminación los resultados son muy alentadores y se pueden obtener buenas fotografías con facilidad. A medida que aumentamos el valor ISO el ruido y los artefactos hacen su aparición de forma progresiva hasta los 800 ISO donde su aparición es más que evidente en la imagen. La Pentax Optio X90 también incorpora un buen arsenal de efectos y filtros para aplicar a nuestras imágenes una vez capturadas. Si bien los resultados no son espectaculares y deberían revisarse ciertos ajustes se pueden conseguir resultados más que eficientes con un poco de imaginación y sin pasar por delante de un ordenador.

Conclusión

Clasificaría a la Pentax Optio X90 como una cámara divertida y fácil de usar. Sus extensas prestaciones, comedido precio y simpáticos gadgets la hacen  muy apeticible si todo lo que estamos buscando en una cámara es echar fotos de nuestros momentos y disfrutar de ella sin más pretensiones. Es muy versátil dado su potente objetivo zoom lo que junto a su pequeño tamaño y peso la convierten en una buena compañera para disfrutar de estas próximas vacaciones.

Enfoca bien, el sistema de estabilización es efectivo y se deja controlar con facilidad. Por contra, la construcción y el refinamiento no es su fuerte y son puntos que la firma debería revisar en futuros modelos. La calidad de imagen entregada es correcta, con  una buena interpretación de color pero acompañadas de un excesivo lavado de las texturas en el detalle fino. El rendimiento de su óptica de extrema focal se mantiene en la línea de sus competidores. Una mejor entrega de las fotografías en formato JPG especialmente a partir de ISO 800 también me ha parecido un punto pendiente. No obstante me lo he pasado muy bien con esta cámara, me ha permitido transportarla y tomar buenas fotografías con facilidad y creo que  en este segmento, la Pentax Optio X90 aún tiene mucho que decir.

Me ha gustado

1. Objetivo superzoom extremo muy versatil (26-676mm)
2. Menús rápidos y teclas configurables
3. Colores naturales y saturados
4. Buena ergonomía y agarre

A mejorar

1. Calidad de construcción
2. Rendimiento a altas sensibilidades
3. Excesivo lavado de las texturas y detalle fino